Tableau Peinture Moderne Pour Salon

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La nouvelle exposition du Musée National Picasso-Paris s’intitule Picasso. Chefs-d’oeuvre ! Derrière ce point d’exclamation se cachent quelques surprises. On aurait tort de penser que les centaines d’événements dédiés au peintre espagnol (on parle de plus de 4 000 expositions) ont permis de faire le tour de son génie. “Travailler sur Picasso, c’est comme étudier une multitude d’artistes. On ne peut pas s’ennuyer, confie Coline Zellal, co-commissaire avec Emilie Bouvard de l’exposition. Picasso ne s’arrête jamais sur ses certitudes. Dès qu’il trouve une solution plastique, il la remet en jeu. Il est en permanence dans l’invention. C’est une quête qui guide toute sa production.” 

Peinture salon moderne pour une décoration 8% unique

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Image Source: amesauvage.com

Le titre suggère la présence, sur les cimaises de l’hôtel Salé, d’oeuvres iconiques. Que les aficionados soient rassurés. Elles sont bien là : Femmes à leur toilette (1937) restaurée cette année, La Danse (1925), prêtée par la Tate Gallery de Londres, la réunion de trois “Arlequins” de 1923, le rassemblement, pour la première fois en France, de trois monumentales “baigneuses” de 1937, quelques-unes des dernières toiles de la vie de Picasso… et même un autoportrait de Rembrandt, artiste référence de l’Espagnol. Manquent à l’appel bien sûr Les Demoiselles d’Avignon ou Guernica qui ne quittent plus respectivement New York et Madrid. 

Plus qu’une exposition best of, Picasso. Chefs-d’oeuvre ! explore surtout le processus créatif de certaines pièces, en présentant des travaux préparatoires et des extraits de la correspondance de l’artiste puisés dans ses archives personnelles, et la façon dont s’est établie leur notoriété, en fonction du regard des proches, du marché de l’art, de la critique ou du public. “Le chef-d’oeuvre se trouve entre deux pôles : entre l’évidence visuelle, esthétique, plastique et la construction sociale, culturelle et médiatique”, rappelle Coline Zellal. Picasso, lui, se moque bien des hiérarchies. “Il ne place pas une oeuvre au-dessus d’une autre. Un petit dessin sur une nappe vaut autant qu’un immense collage sur lequel il passe plusieurs mois. La preuve, il a tout gardé tout au long de sa vie. Il n’a pas fait de tri pour que la postérité ne retienne que ses oeuvres majeures.” L’une des belles curiosités de l’accrochage, c’est notamment la poétique collection de petits objets fabriqués à partir d’éléments du quotidien (nappes, paquets de cigarettes, bouts de bois…).  

Le parcours est chronologique, mais chaque salle, consacrée à une oeuvre maîtresse, à un motif (les baigneuses, la chèvre…) ou à un thème (les sculptures, les lithographies), peut être appréhendée de manière indépendante. Comme un clin d’oeil, la première salle s’ouvre sur le Chef d’oeuvre inconnu d’Honoré de Balzac, publié en 1831, et illustré par Pablo Picasso un siècle plus tard, à la demande du marchand Ambroise Vollard. L’histoire de Frenhofer, ce peintre qui toute sa vie tente d’atteindre un absolu, n’est pas très éloignée de celle de Picasso, lancé dans une recherche effrénée de nouveaux modes d’expression. Le premier tableau présenté, Science et Charité, une huile de 1897, révèle un jeune peintre doté d’une incroyable virtuosité technique qui reproduit les canons académiques de l’époque. Les dernières toiles, accrochées sur les murs du palais des Papes, à Avignon, au début des années 1970, elles, se débarrassent totalement des codes et font la part belle à la force de l’accumulation. Entre ces deux moments, le visiteur croisent les multiples destins d’oeuvre signées d’un artiste hors norme.  

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Picasso. Chefs-d’oeuvre. Musée National Picasso-Paris, Paris (IIIe). Jusqu’au 13 janvier 2019. 

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Image Source: toiles-modernes.com

Science et Charité, 1897.

(Succession Picasso 2018)

“Etudiant à l’école des Beaux-Arts de Barcelone, Picasso n’a que 16 ans quand il réalise Science et Charité (1897), rappelle Coline Zellal. Il choisit le thème de la visite au malade en vogue dans les salons de peinture à la fin du XIXe siècle et s’inscrit dans la mouvance du réalisme social. Picasso suit encore une conception académique du chef d’oeuvre : une grande peinture imposante qui suit les modes de l’iconographie de l’époque.” Ce tableau fait partie des oeuvres de jeunesse que l’artiste a conservées, avant d’en faire don en 1970 au Museu Picasso de Barcelone. Son père sert de modèle au médecin et la scène évoque la mort de sa jeune soeur Conchita en 1895.  

La toile a fait l’objet d’une restauration en 2017. “Sa radiographie a permis de révéler le processus créatif de Picasso. On a découvert que beaucoup d’éléments ont été repris, modifiés, retravaillés. La couleur de la couverture a fait l’objet d’au moins quatre couches différentes. Picasso a visiblement beaucoup hésité. La tasse tendue par la religieuse, la tête de l’enfant, la main du docteur ont subi de nombreux ajustements. Picasso est dans l’optique d’une oeuvre de démonstration qui affirme sa très grande maîtrise technique.” 

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Image Source: i0.wp.com

Tapisserie de Jacqueline de la Baume-Dürrbach (d’après Les Demoiselles d’Avignon de Pablo Picasso), 1958.

(Succession Picasso 2018)

Acte de naissance du cubisme, le mythique tableau peint en 1907 ne quitte plus les cimaises du MoMA de New York. Le Musée National Picasso-Paris doit se contenter de présenter l’une des trois tapisseries tissées en 1958 à partir de cette oeuvre manifeste. Il s’agit de l’exemplaire destiné à Picasso qui était accroché dans le salon de sa villa cannoise de La Californie. L’artiste aimait dire à ses visiteurs que “la tapisserie était tellement mieux que l’original.”.  

“A sa création, Les Demoiselles d’Avignon suscite l’incompréhension et le rejet, aussi bien chez les critiques que chez les proches de Picasso, rappelle Coline Zellal. Quand il découvre la toile dans l’atelier du Bateau-lavoir, son ami George Braque tient ces mots : ‘Ta peinture, c’est comme si tu voulais nous faire manger de l’étoupe ou boire du pétrole’.”  

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Image Source: pollyheaters.com

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La reconnaissance viendra bien plus tard, grâce notamment à André Breton. Le poète voit tout de suite que cette oeuvre représente une révolution picturale pour l’art du XXe siècle. Il joue un rôle important dans son acquisition en 1924 par le couturier Jacques Doucet. Pour le surréaliste, ‘Les Demoiselles d’Avignon […] marquent l’origine du cubisme et […] il serait si fâcheux de (les) voir partir à l’étranger’. La crainte de l’écrivain est fondée. A la mort du collectionneur, le tableau retourne sur le marché de l’art et intègre en 1939 le plus grand musée d’art moderne du monde. A la tête du MoMa, Alfred H. Barr prépare notamment l’exposition Picasso : forty years of his art. Le directeur y voit le premier jalon de la modernité. C’est donc la prestigieuse institution qui érige Les Demoiselles d’Avignon au rang de chef d’oeuvre, plus de trente ans après sa création. 

Arlequin assis, 1923

(Succession Picasso 2018)

“Avec la suite des “Arlequins”, peints en 1923, on quitte l’idée que le chef-d’oeuvre est une pièce unique, souligne la commissaire de l’exposition. Picasso choisit un motif, la figure de l’Arlequin, très appréciée par le marchand d’art Paul Rosenberg qui l’encourage à la développer. L’Arlequin assis, est devenu chef-d’oeuvre de manière inattendue grâce à l’enthousiasme populaire qu’il a déclenché.”  

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Image Source: iconart.co

Dans les années 1960, la toile appartient à un collectionneur privé suisse, Peter G. Staechelin, qui la met en dépôt au Kunstmuseum de Bâle. En 1967, le propriétaire, endetté, souhaite récupérer ses tableaux pour les vendre. Le canton qui ne veut pas voir son Arlequin s’en aller décide de se porter acquéreur. Pour compléter son offre il lance un appel aux dons pour acheter L’Arlequin assis et une autre toile de Picasso, Les deux frères. La population est divisée. Un référendum est organisé. Les habitants descendent dans la rue pour manifester avec des banderoles ‘All you need is Pablo”, référence au tube des Beatles de l’époque All you need is love.  

Le 17 décembre 1967, une majorité d’électeurs approuve l’achat. Des fonds provenant d’autres cantons et de l’industrie pharmaceutique complètent la proposition financière. Ce “miracle de Bâle” sera suivi quelques jours plus tard par le don de l’artiste, alors âgé de 86 ans, de deux oeuvres à “la jeunesse bâloise”. 

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“Tête de chien”, papier de Picasso, photographié par Brassaï, 1946.

(Succession Picasso 2018)

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Image Source: evmatch.co

Brassaï, auteur de cette photographie, raconte la genèse de ce bichon blanc. “Dora [Maar] avait un bichon blanc qu’elle adorait… Or un jour elle le perdit. Alors pour consoler sa maîtresse éplorée, à chaque repas pendant plusieurs jours, Picasso ressuscita le petit chien avec ses grands yeux noirs et ses oreilles rabattues…”  

Dans les années 1940, Picasso taille des figures dans des nappes, des serviettes en papier, des paquets de cigarettes, fabrique des petits personnages avec tout ce qui lui passe sous la main. Quoi de plus opposé à la notion de chef-d’oeuvre qu ces anecdotiques papiers déchirés ? “A la demande de l’artiste espagnol, conscient de leur fragilité et de leur caractère éphémère, Brassaï photographie ces créations. A travers ce travail, ces petits objets ordinaires prennent une autre dimension.  

En 1949, le marchand Daniel-Henry Kahnweiler les intègre dans son ouvrage sur la sculpture de Picasso. Ils resteront auprès de Dora Maar tout au long de sa vie. A la mort de cette dernière, lors de la vente publique de sa collection en 1998, ces papiers déchirés suscitent un enthousiasme extraordinaire. Pour les conservateurs du Musée Picasso, ces travaux sont à considérer comme de véritables sculptures et “enseignent sur le processus de création de l’artiste “. Ils les ont interdits de sortie et ont préempté 15 lots de la série. “Malgré leur simplicité technique, ils frappent par leur poésie, leur magie”, résume Coline Zellal. 

Photo extraite du Catalogue d’exposition : Picasso 1970-1972, 201 peintures, qui s’est déroulée du 23 mai au 23 septembre 1973, au Palais des Papes à Avignon.

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Image Source: writessay.net

(Succession Picasso 2018)

En 1970, dans le cadre du festival d’Avignon, le palais des Papes accueille une exposition conçue par l’éditeur Christian Zervos et son épouse Yvonne sur la production récente de l’artiste. En mai 1973, un mois après la mort de Picasso, l’expérience est renouvelée. Sur les murs, les toiles sont accrochées sans cadre, très proches les unes des autres et groupées par thème sur plusieurs rangées, favorisant une vision d’ensemble.  

“Ces tableaux avec leurs couleurs franches, presque criardes, les matières épaisses, la marque des coups de pinceaux agressent la critique et le public, rappelle la commissaire. Certains critiques les qualifient de gribouillages. Dans les années 1980, ces oeuvres sont réévaluées par les peintres expressionnistes abstraits américains qui y voient une force de la couleur, une expressivité. La dernière période de Picasso est alors perçue comme une période magistrale. L’artiste n’est pas dans la maîtrise technique, il est dans la pure spontanéité. le geste libre, direct. Tout l’inverse de Science et Charité. Le chef-d’oeuvre n’est pas la pièce unique mais l’ensemble de cette production, la force est dans l’acte de création”. 

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